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Portrait d’artiste

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Une peinture de la mer aux reflets irisés et aux mille couleurs… C’est ainsi que Yoshie Araki partage sa passion du monde aquatique avec les admirateurs de son travail et le plus grand public.

Avec sa peinture à l’huile, aussi captivante que mystérieuse, l’artiste japonaise offre une immersion dans l’univers marin. Elle crée ses tableaux, telle une invitation à plonger dans les profondeurs océanes mais aussi à s’élever dans les hauteurs du ciel. Chacun de ses coups de pinceau traduisant la beauté énigmatique de la nature.

« Comme un poisson dans l’eau »

Yoshie nourrit depuis toujours une fascination inaltérable pour l’univers aquatique, qu’elle considère comme un amour inné. Originaire du Pays du Soleil Levant, elle est imprégnée de la symbolique des poissons, s’inspirant d’abord de la culture asiatique pour laquelle ils représentent richesse et abondance, tout comme de la tradition bouddhiste, qui les associent plutôt à la liberté d’esprit. Elle revendique cependant sa proximité avec les références chrétiennes, évoquant notamment l’épisode biblique de la multiplication des pains et des poissons.

La passion de l’art à travers le dessin et la peinture de la mer

Étudier la peinture dans la Patrie des Arts et des Lettres… Sans nul doute le rêve d’une vie pour l’artiste passionnée. Un rêve qui se concrétise lors de son arrivée en France en 2002. Elle expose ses œuvres rapidement, notamment en 2005 à la Arck Gallery à Paris, puis en 2006 à l’Espace Japon. C’est lors de cette période charnière qu’elle croise la route de Marc Higonnet, un galeriste parisien. Séduit par sa démarche, il lui offre alors un refuge pour exposer ses peintures. Le succès est au rendez-vous, et une collaboration artistique naît entre ces deux passionnés.

En 2013, le duo entreprend la rédaction et l’illustration d’un bel ouvrage intitulé « Les poissons célestes » (Ed. Michel Vray). Cette œuvre est composée de 72 récits de pêcheurs du monde entier formant une vaste anthologie marine en deux volumes. Les années passent et l’artiste enchaîne les expositions en France et à l’étranger : Italie, Grèce, Croatie et Japon.

Les Poissons du Ciel : place à la création contemporaine

En 2017, ils fondent ensemble l’association Les Poissons du Ciel. L’idée était, en quelque sorte, de créer un espace à leur image, destiné à recevoir les habitants des alentours et les visiteurs de passage, ainsi qu’un choix méticuleux d’artistes contemporains, reconnus ou non.

Leur « Maison des Marais » se situe dans un cadre verdoyant près de l’église d’Angy, dans l’Oise. Ici cohabitent ferme pédagogique, écurie, volière, potager mais également une salle de réunion et un atelier. Sans oublier « le Salon de verdure », la galerie ouverte aux créateurs et dans laquelle sont régulièrement organisés divers événements culturels. C’est dans cet environnement bucolique que Yoshie met en scène ses poissons adorés, invitant le visiteur à se pencher sur sa peinture onirique, travaillée dans des chromatismes aussi sereins que vifs.

Yoshie Araki présentera ses toutes dernières créations artistiques du 8 au 18 juin à la Maison des Marais.

À la recherche d’un photographe événementiel pour immortaliser votre mariage ou réaliser un portrait ? Jérôme Bouillet est sans nul doute le professionnel qu’il vous faut. En plus de capturer des images sublimes, il crée une ambiance conviviale et travaille dans la bonne humeur.

Depuis trois ans, ce photographe passionné se spécialise dans la photo reportage de mariage et les shootings photos, créant ainsi vos plus jolis souvenirs.

photographe événementiel, De la bienveillance et du rire pour une expérience mémorable

Sur son site, Jérôme met d’abord en avant sa philosophie. Ses séances photos sont à la fois bienveillantes et amusantes, en bref, une expérience douce pour reprendre confiance en soi. Selon lui, le travail de photographe va bien au-delà d’un simple shooting. Les personnes photographiées deviennent de véritables sujets à ses yeux, créant ainsi un lien authentique avec chacun. Grâce à ses commentaires drôles et subtils, il crée une atmosphère complice et détendue. Une connexion idéale pour rendre les clichés de ce photographe événementiel encore meilleurs.

Un autodidacte passionné devenu photographe professionnel

Avant de s’épanouir en tant que photographe événementiel, cet enfant de ch’tis né à Rueil-Malmaison, a parcouru le monde avec son père militaire. Grâce à ces voyages au Gabon, en Nouvelle-Calédonie et en Guadeloupe, il a développé sa passion pour la photographie. C’est en 2005, à l’âge de 18 ans, qu’il a eu ses premiers contacts avec cet art. Il utilise alors un appareil numérique prêté par son père lors de leur séjour en Guadeloupe. Durant cette période, Jérôme servait souvent de guide à ses proches, capturant des paysages et portraits aussi unique qu’authentiques.

photographe événementiel, Le pouvoir de la photographie…

Le parcours de ce passionné, aujourd’hui photographe événementiel, débute lors de ses premières vacances au Pays Basque. Il tombe alors amoureux en photographiant ces paysages et ces couchers de soleil. En juillet 2018, il décide de poster son travail sur Instagram et c’est ainsi que la magie opère. Il reçoit en effet de nombreux retours positifs, qui l’encouragent à persévérer et à évoluer dans son art. En mars 2020, Amélie, une internaute, le met au défi de réaliser un portrait. Autrement dit, une grande nouveauté pour lui, comme pour elle ! Malgré le stress et la période de confinement compliquée, ils finissent par vivre ce moment qu’ils qualifient de « magique ». Il comprend alors comment, grâce à son art, il pouvait réellement aider les gens.

Un artiste multi-talents pour tous les événements

En 2021, Jérôme devient officiellement photographe professionnel. Ce sont avant tout les premiers clichés avec Amélie qui l’ont poussé à franchir le pas. Il capture notamment les plus belles photos de mariage, tout en continuant ses shootings portrait partout en France.

Son talent a également attiré l’attention de marques renommées. Parmi elles, Mademoiselle Angélique, Marion Vincent ou bien Le Coin Sauvage, une boutique de décoration bohème à Agen. Grâce à ses reportages, il capture bien plus qu’une simple image ; il immortalise la vie, la joie et l’amour avec une authenticité saisissante. Une passion qui séduit en outre les entreprises pour leurs divers événements professionnels.

Dominique Favreul donne vie à ses sujets grâce à ses toiles et digigraphies réalisées dans son atelier à Orsay. Sur de grands formats, l’artiste peintre contemporain évoque les thèmes qui bercent son existence. Il offre ainsi une source constante d’inspiration, tant pour lui que pour ses spectateurs.

Inspiré par sa propre vie mais également par ses émotions, il crée un style de peinture colorée riche en sensations. Son art mêle l’art abstrait, la géométrie et une certaine peinture contemporaine figurative.

Une passion précoce pour l’art

D’après sa propre mère, Dominique Favreul a toujours été attiré par l’art du dessin et ce, depuis qu’il est tout jeune. Il exprimait déjà son talent à la maternelle en embellissant les vitres de son école pendant les récréations. Au collège également, il se démarque en préférant le dessin au football. À seulement 15 ans, il réalise sa première vente, une peinture gouache du couple Paul et Linda McCartney, pour des amis. Sa grande tante le formera ensuite à la peinture. Une méthode certes classique, mais qui lui permettra de perfectionner ses compétences de copiste et de découvrir sa vocation. Ces connaissances acquises seront en effet essentielles dans son cheminement vers la pratique contemporaine de la digigraphie.

Un cheminement atypique vers la peinture

Bac en poche, il rejoint ensuite l’atelier Le Maresquier à l’École d’architecture des Beaux-Arts de Paris. À l’âge de 22 ans, il réalise sa première exposition « des aquarelles fantastiques ». Lauréat du grand prix d’architecture, il présente un diplôme avec un projet hallucinant : une station orbitale pouvant accueillir 3000 habitants. Ce concept techniquement réalisable lui vaut alors une certaine notoriété grâce à des apparitions dans des émissions de télévision. Il intègre ensuite de prestigieuses agences où il travaille sur divers programmes de renom. Parmi eux : la construction de palais en Arabie Saoudite, le Futuroscope et d’autres projets pour des particuliers fortunés. Il continue toutefois de cultiver sa passion pour la peinture tout en s’intéressant de plus près à la digigraphie.

Digigraphie, une carrière artistique florissante

À 40 ans cependant, la maladie l’oblige à arrêter son activité. Grâce au soutien de sa famille, notamment de sa femme, il surmonte cette épreuve. Il peut alors enfin réaliser son rêve : peindre à plein temps. Quelques années plus tard, sa première exposition à la mairie d’Orsay marque le début de sa réussite. Rapidement, il gagne en reconnaissance et voit ses œuvres cotées sur Artprice, la référence mondiale en matière de cotation artistique. Il enchaîne les expositions et se lance dans un nouveau défi : la digigraphie.

Passant de la peinture acrylique sur toile à la peinture numérique, il produit désormais trente reproductions numérotées de ses créations. Il ouvre alors ses œuvres à un public plus large et moins familier des galeries, à l’instar de l’ami de son fils qui lui commande un portrait des Daft Punk.

Sa prochaine série explore la fusion entre la mécanique et la nature, avec des plans de moteurs de moto aux motifs poétiques, possiblement inspirés des textures des ailes de papillon. Enfin, Dominique Favreul propose désormais des visites privées dans son atelier, l’occasion pour l’artiste de rencontrer son public.

À Salernes (83690), RL Ferronnerie excelle dans la ferronnerie d’art. L’atelier façonne vos projets sur mesure avec passion pour cet héritage ancestral.

Une histoire de famille

Le patriarche de la famille a créé RL Ferronnerie en 1977. Depuis, l’entreprise incarne l’excellence et la passion pour la ferronnerie d’art. Puis, Lionel Roche, le fils du fondateur, a pris les rênes de l’entreprise il y a plus de vingt ans. Aujourd’hui, il bénéficie du soutien de son fils Florian, formé par les Compagnons du Devoir. Ensemble, ils perpétuent un savoir-faire exceptionnel et fusionnent tradition et innovation pour réaliser les projets les plus ambitieux.

Ferronnerie d’art, un artisanat ancré dans la tradition

Lionel et Florian animent leur atelier qui vibre aux rythmes des coups de marteau sur l’enclume. Sous leurs mains expertes, les volutes et les ornements prennent vie. Fidèles aux méthodes traditionnelles, ils travaillent le fer à la forge. Également, ils utilisent des moules en plomb historiques pour créer des pièces uniques qui racontent des histoires.
Par leur démarche, ils préservent le riche patrimoine artisanal de la ferronnerie traditionnelle. Un savoir-faire qui risquerait de disparaître sans leur passion et leur dévouement. Leur atelier excelle dans l’art de la personnalisation : rampe d’escalier, garde-corps, portail ou encore pergola.

Ferronnerie d’art, embrasser la modernité

Loin de se cantonner uniquement aux anciennes techniques, Lionel et Florian incorporent avec talent les avancées technologiques dans leur art. Rupture de pont thermique ou encore découpe laser sont utilisées pour affiner leur art et répondre à toutes les demandes. Cette combinaison leur permet de produire des œuvres mêlant la ferronnerie d’art à l’efficacité des méthodes de la ferronnerie moderne. Ils adoptent une approche personnalisée et humaine, développant chaque projet en collaboration étroite avec leurs clients.

Une complémentarité unique

L’alchimie entre Lionel et Florian constitue la force motrice de RL Ferronnerie. Leur collaboration est enrichie par leur diversité de perspectives. Ainsi, Ils repoussent les limites de leur domaine et offrent des solutions véritablement sur mesure. Reconnus en tant que Maîtres Artisans et Maîtres Artisans des Métiers d’Art depuis 2012, ils créent des portails, garde-corps, pergolas et bien plus, entièrement personnalisés et en harmonie avec les désirs et les besoins de leurs clients.

Figure de l’abstraction lyrique, Karls offre au monde une peinture en mouvement, aussi libre que sauvage. Rencontre avec un artiste hors normes !

La naissance d’un artiste

Enfant à fleur de peau, Karls grandit auprès d’un père peintre animalier. Au milieu de cet univers pictural, il cultive sa sensibilité pour la nature et enrichit ainsi son imaginaire. S’il démontre très tôt des aptitudes pour le dessin, le figuratif l’ennuie profondément. Dans cette quête de la perfection académique qu’exige le portrait, Karls se perd et s’oublie. C’est sa rencontre avec George Mathieu, pionnier de l’abstraction lyrique, qui va bouleverser sa vision de la peinture. À travers ce nouveau langage pictural, Karls s’étonne et se surprend sans cesse. Comblant sa curiosité insatiable, l’art abstrait déboule dans sa vie et fait table rase du passé. Un artiste est né !

Toute la subtilité de l’abstraction lyrique

Loin de l’image désordonnée et dénuée de sens dans laquelle certains voudraient la complaire, l’abstraction lyrique a ses exigences. En effet, il n’est pas donné à quiconque de savoir dépouiller son art du réel pour n’en inscrire sur la toile que l’essence même. Pour atteindre cet état d’abandon, Karls nourrit son esprit de littérature autant que d’histoire de l’art. Convaincu qu’un véritable artiste ne sait restituer que ce qu’il ressent, il envisage la peinture comme une expression directe de l’élan émotionnel sur la toile. Résultat ? Une peinture instinctive dont l’énergie du mouvement percute l’explosion chromatique. Difficile d’y rester indifférent…

Une création en mouvement

Le lâcher prise qui préside à la naissance d’une œuvre atteint son paroxysme dans le cadre des performances lives auxquelles Karls se livre. Événements d’entreprise, œuvres caritatives, manifestations culturelles : l’artiste offre au public une expérience immersive au cœur même de la création. Aux antipodes d’un désir orgueilleux de se mettre en scène, la démarche de Karls est empreinte d’une profonde humilité. Dans un silence de cathédrale, porté par l’énergie du public, l’artiste se présente devant ces formats monumentaux qu’il aime défier. Entrant dans une transe aussi libératrice qu’intimidante, il laisse aller son corps à un ballet chorégraphique duquel naît sous les yeux ébahis du public une œuvre en mouvement. Une impression tourbillonnante que viennent renforcer les aspérités de sa peinture à l’huile !

Après 33 performances publiques intenses, Karls renouera enfin avec son public dans l’enceinte d’un stade de football d’une petite bourgade normande en juin prochain. Un choix qui ne suscite pas l’étonnement quand on connaît l’artiste, ce pourvoyeur d’un art accessible et ouvert à tous…

L’artiste Corbello ne s’est jamais posé la question de ce qu’il souhaitait peindre ou sculpter. Le sujet s’est imposé à lui, comme une évidence. Les femmes sont ses muses.
À travers ses œuvres, l’artiste qui rend hommage aux femmes les représente voluptueuses, féminines, généreuses, gourmandes, en mouvement.
Il les représente vivantes.

L’amour à l’origine de son art

L’amour guide les pas de l’artiste. Car d’une enfance peu encline aux facilités, dans laquelle il rencontre tôt les affres d’une santé fragile, il s’accroche à l’amour comme à une bouée salvatrice. Pour sa mère, pour ses sœurs, pour les femmes qu’il rencontre. Puis pour celle qui devient, il y a vingt ans, sa femme, et qui lui fait cadeau de quatre enfants.
Il grandit en marge de ses pairs, avec lesquels il ne peut jouer « à des jeux de garçons. » Il s’adonne à des activités plus calmes, qu’affectionne souvent davantage la gent féminine. La lecture occupe ses récréations et son temps libre. Son refuge devient son monde intérieur. Un jardin secret qu’il crée, entretient et enrichit.

Un artiste à la sensibilité exacerbée

L’art de Corbello s’est réveillé tardivement. Il évolue dans l’univers de l’informatique, du bâtiment puis de l’administratif. Puis sa santé le pousse (à nouveau) à emprunter un autre chemin. Il découvre la peinture, contraint de se reposer et d’être exposé au sens de la vie, qui l’aide à extérioriser.
Il doit cette découverte à une amie chère, atteinte d’un cancer du sein, qui l’encourage à commencer puis à persévérer. Depuis, cette amie a perdu la bataille contre sa maladie. L’empreinte qu’elle a laissée en Corbello est si forte que son art est devenu un moyen de lui rendre hommage. Ainsi qu’à toutes celles qui ont souffert, et qui souffrent, en leur corps. La sensibilité exacerbée de l’artiste les émeut, les touche et les percute. Elles lisent en ses toiles tout l’amour et l’estime qu’il leur porte. Corbello est devenu l’artiste qui rend hommage aux femmes.

Rendre hommage à toutes les femmes

Les femmes qu’il représente sont sans visages et arborent des couleurs chatoyantes. C’est le moyen que l’artiste a trouvé pour effacer les différences et n’exclure personne. Il ne peint pas un type de femme mais bien leur universalité.
Depuis peu, l’artiste complète son langage artistique par la sculpture. Il peut ainsi représenter les femmes en 3D et leur conférer une dimension encore plus forte. Ses sculptures sont une ode aux formes, à la générosité et à la vie. Être un artiste qui rend hommage aux femmes ouvre de nombreuses portes…

Du 5 au 7 avril prochain, le salon d’art contemporain international « ART Shopping » illuminera le Carrousel du Louvre de sa programmation artistique éclectique. À vos agendas !

Rendre l’art accessible à tous depuis 18 ans

Depuis 2007, « ART Shopping » est devenu l’un des événements artistiques les plus attendus de l’année. Manifestation incontournable pour les artistes, passionnés d’art et autres amateurs de créativité, ce salon d’art contemporain propose deux éditions annuelles. Trois jours en avril et en octobre pour exposer et célébrer l’expression artistique sous toutes ses formes ! Des peintures vibrantes aux sculptures innovantes, en passant par la photographie contemporaine ou les arts numériques, ART Shopping a ainsi fait de l’éclectisme sa marque de fabrique. Une diversité d’œuvres qui s’offrent au regard dans l’espoir de déclencher l’achat coup de cœur ! Car c’est bien là tout l’attrait de ce salon d’art contemporain. Si pousser la porte d’une galerie confidentielle peut intimider, ART Shopping ouvre grand les portes de ses événements à tous ceux que l’art attire. Libre d’accès sur invitation, il s’adresse aussi bien aux collectionneurs chevronnés qu’aux simples curieux. Avec une ambition avouée : défendre un art décomplexé, accessible à tous, tant dans sa compréhension que dans son prix !

Des artistes triés sur le volet

Pour explorer toute la richesse de la création artistique contemporaine, ART Shopping accueillera pour sa 32e édition environ 350 artistes. Qu’ils soient renommés ou issus de la scène émergente, ils se démarquent tant par leur technicité que par leur singularité. Comme en témoigne la présence attendue de Yannick Duhamel, créateur de sculptures murales et sonores à partir de disques vinyles ! Ou encore celle de Annemarieke van Peppen, artiste hollandaise dont les œuvres novatrices mêlant peinture et collage sublime la beauté des êtres humains imparfaits ! Issus d’une vingtaine de nationalités différentes, ces peintres, sculpteurs, artistes mix media ou encore photographes offrent aux visiteurs une immersion totale dans l’univers varié de l’art contemporain. Et un véritable voyage artistique à travers le monde ! Ce n’est d’ailleurs pas un hasard si cette galerie géante fera une place de choix à une délégation d’artistes asiatiques. Une jolie manière de célébrer 60 ans de relations franco-chinoises !

Bien plus qu’un salon d’art contemporain

Installé au cœur du prestigieux Carrousel du Louvre, ART Shopping n’est pas une simple exposition. C’est également un lieu de rencontre et de convivialité avec les artistes en personne ! Concept unique en France, ce salon d’art contemporain crée un lieu privilégié où les artistes ont la chance d’exposer, de présenter leurs œuvres au grand public et d’être aussi en lien avec leurs potentiels acheteurs. Interagir avec les artistes, découvrir leur processus créatif, discuter de leurs inspirations, comprendre leur univers : autant de questionnements qui peuvent séduire des primo-collectionneurs avant de débuter une collection d’art ! Ouvert à tous, ART Shopping est finalement une foire à taille humaine qui privilégie l’échange et le partage dans une atmosphère accueillante et bienveillante. De quoi inciter chacun à oser en pousser les portes !

Salon d’art contemporain : les temps forts de la 32e édition

Clin d’œil aux prochains Jeux Olympiques qui enflammeront Paris d’ici quelques semaines, l’exposition « Art et Sport » s’est alors donnée pour mission de marier deux univers en apparence distincts : l’art contemporain et le sport. Un événement organisé en partenariat avec la Galerie Jean-Denis Walter et Art Majeur ! Derrière son titre évocateur, cette exposition fera ainsi la part belle à des photos d’art dédiées au sport. Loin des pages de magazine dans lesquelles ils trouvent souvent leur place, ces tirages d’exception s’inscrivent dans une quête du Beau en explorant les liens profonds entre la créativité artistique et la puissance inspirante du mouvement physique. Une exposition qui ne devrait pas manquer de remporter tous les suffrages ! Rendez-vous du 5 au 7 avril au Carrousel du Louvre pour une édition intense du prochain ART Shopping !

Philippe Duret est un sculpteur sur bois confirmé depuis plus de 30 ans. Véritable passionné, il souhaite poursuivre l’art né des sculpteurs des siècles passés autant que d’en diffuser l’héritage. Basé en Haute-Savoie, il a d’ailleurs reçu la très célèbre distinction de meilleur ouvrier de France en 1997 dans la spécialité sculpture sur bois en tant que sculpteur ornemaniste art et décoration.

De l’esquisse à la sculpture

Dès son enfance, Philippe Duret exprimait son amour pour l’art à travers des dessins et des esquisses. Autant qu’il s’en souvienne, il a toujours eu un crayon dans la main. Initié à la menuiserie, l’artiste débute dans les ateliers Fancelli à Alfortville, reconnus dans la restauration des Monuments historiques. Attiré par le bois, c’est alors qu’il se perfectionne en tant que sculpteur sur bois. Sa sensibilité artistique est au cœur de ses créations grâce à son sens de l’observation et de la minutie.


Photo Studioz

Sculpteur sur bois, un processus créatif original

Chaque création de Philippe Duret commence d’abord par le dessin. Il recherche la belle ligne, le caractère, et l’expression qui donneront vie à l’œuvre finale. Il explore ensuite le modelage et le moulage avant de finalement passer à la taille du bois. L’artiste est un adepte du gouge à bois, un outil emblématique. Cette technique lui permet de travailler les essences délicates pour concevoir des meubles en noyer, tilleul, poirier ou chêne.

Une créativité au service de la diversité

Philippe Duret met sa créativité au service d’une clientèle diversifiée. Elle se compose notamment de particuliers, menuisiers ébénistes, architectes, etc… Mais également de grandes institutions telles que le Conservatoire d’Art et d’Histoire ou le Centre des Monuments Nationaux.

L’artiste s’immerge autant dans des périodes historiques que des récits mythologiques ou bibliques, pour concevoir des pièces uniques. Du meuble représentant Poséidon à la console ancienne Louis XIV, en passant par le miroir gorgone, chaque création est le fruit d’un travail rigoureux et inventif. Le sculpteur sur bois aime laisser libre cours à son imagination avec des créations sur mesure. Un yéti, un couple d’amoureux, ou même une cravate, tous témoignent de sa polyvalence artistique.


Cravate Photo Bonnefoy

Sculpteur sur bois, des restaurations prestigieuses

Philippe Duret a récemment collaboré avec le Château de Versailles dans le cadre d’importants projets de restauration. Avec l’aide d’experts et d’artisans qualifiés, il a su redonner vie à de nombreux éléments sculptés disparus. C’est le cas notamment avec la restitution de grands cadres pour l’antichambre de l’Œil de Bœuf.

L’artiste ouvre les portes de son atelier en Haute-Savoie pour tous les amoureux d’art.

L’artiste énergéticienne Frédérique Monet fusionne les arts et les énergies pour créer des tableaux énergétiques et vibratoires.
Ancienne institutrice, elle change de cap il y a 14 ans, et ouvre sa boutique Oazarts Créations Artisanales, à Viuz-en-Sallaz, en Haute-Savoie. « Ici, je propose des objets gravés et découpés par mes soins comme des fleurs de vie, des arbres de vie, des cubes de Métatron, mais aussi des bonshommes en pots de terre cuite, des bijoux en porcelaine. Je peins également sur de la vaisselle, des vases ou encore des bougeoirs en porcelaine… »

L’artiste énergéticienne propose des peintures énergétiques et vibratoires

En 2019, l’artiste énergéticienne est attirée par les énergies. « Je peignais de façon classique, puis le temps d’une toile, j’ai tracé des rosaces au compas. Un retour en enfance. Ces géométries ont pris sens dans mes créations ». Frédérique Monet a poursuivi parallèlement son chemin en se formant aux soins énergétiques. « Je peins et je trace alors avec mes ressentis. Ce sont des formes qui viennent me connecter à mon espace intérieur et qui me permettent de créer, de même qu’elles impactent parfois profondément les personnes qui les regardent ». Depuis ce coup de foudre artistique avec les formes géométriques et les énergies, l’artiste énergéticienne se connecte aux autres pour donner vie aux toiles qui sont le reflet de leurs énergies. «Je peins en me connectant aux personnes pour qui je trace, c’est totalement intuitif».
Aujourd’hui, l’artiste présente différentes collections répondant aux noms inspirants de Stellaires, Shaman et Chakras.

Un livre et des ateliers

L’artiste énergéticienne a publié en 2023 un ouvrage intitulé Regards Intérieurs, un recueil canalisé, qui comporte « 365 notions pour réfléchir, se questionner, remercier, se réjouir, s’émerveiller… 365 mots qui se laissent goûter, savourer, nous offrant leur parfum subtil et enivrant ». Ce livre contient aussi 12 Géométries Sacrées à mettre en couleur, ou avec lesquelles méditer. Frédérique Monet propose également, dans sa boutique, des ateliers de géométrie sacrée intuitive, afin d’accompagner chacun à se reconnecter à soi et à tracer ses propres géométries vibratoires.

Le Musée Maillol à Paris a dévoilé cet automne la première rétrospective de Chéri Samba, figure de l’art contemporain africain. Ses peintures nous racontent l’évolution de l’artiste congolais, telle une plongée captivante dans 40 ans de création. L’exposition “Une rétrospective : Chéri Samba, dans la collection Jean Pigozzi » nous plonge dans son univers coloré et parfois même surréaliste.

Chéri Samba, dans la collection Jean Pigozzi

Les 50 œuvres exposées dans ce lieu culturel proviennent de la collection Jean Pigozzi. Il s’agit d’une des plus importantes collections d’art contemporain africain au monde. Une série marquant ainsi la reconnaissance des artistes d’Afrique sub-saharienne sur la scène internationale et ce, depuis 30 ans.

L’exposition de peinture présente des tableaux modernes colorés et engagés. Elle parcourt plusieurs thématiques “sambaïennes”. L’autoportrait pour commencer, comme élément central de son œuvre. Le Congo, l’Afrique ou l’environnement ensuite, à travers des représentations géopolitiques notamment. Enfin, l’histoire de l’art ou la femme sont autant de thèmes reflétant les passions et le monde qui entoure le célèbre artiste peintre.

Le parcours d’un artiste engagé

Bien qu’universel, Chéri Samba reste un artiste local bien ancré dans le réel. Il quitte l’école à 16 ans pour se lancer dans les enseignes publicitaires et les bandes dessinées. Il s’imposera par la suite comme l’un des plus grands peintres d’art contemporain africain. Jusqu’à aujourd’hui, l’ambassadeur de la peinture populaire vit toujours à Kinshasa.

En 1975, il fonde son atelier, développant un style figuratif et narratif audacieux. Attention cependant à ne pas se laisser dérouter par ses peintures surréalistes, paillettes et autres objets incongrus ou compositions opulentes. Chaque élément est en effet pensé, réfléchi, symbolique. Derrière ces personnages, l’artiste évoque les divers conflits pour interpeller, dénoncer et caricaturer, défiant toute naïveté artistique.

Un rayonnement international

Chéri Samba est révélé en France lors de l’exposition “Les Magiciens de la Terre” en 1989, organisée par le Centre Pompidou. Depuis, l’artiste a participé à de nombreuses représentations prestigieuses, consolidant sa renommée mondiale. Sa présence à l’exposition “Beauté Congo” de la Fondation Cartier ou encore à l’événement “Les Initiés” de la Fondation Louis Vuitton témoigne de son impact sur l’art contemporain africain.

À Saint-Privat-la-Montagne, découvrez les créations originales en raku et acier de Sophie Reato, entre nature et culture.

Une révélation comme point de départ artistique

Sophie Reato n’a pas toujours fait partie du monde de l’art. Une quête d’épanouissement l’a menée naturellement vers la céramique. En effet, un stage fortuit a déclenché sa passion pour la terre et le modelage. Ainsi, cette expérience lui a révélé un nouveau chemin.
De plus, la découverte de la technique japonaise ancestrale du raku a marqué un tournant dans sa carrière. Les textures uniques et les effets visuels de cette méthode l’ont rapidement attirée. Sophie Reato a intégré des couleurs vibrantes à ses œuvres, adoptant une approche novatrice du raku. Celle-ci a vite séduit un public international.
Par ailleurs, son intérêt pour l’acier et la céramique a enrichi son univers artistique. Un artisan local l’a ainsi initiée au travail de l’acier, bien que cela demande des compétences spécifiques. Ses œuvres, mélange de féminité et de légèreté, allient la finesse de la céramique à la robustesse de l’acier.

Des céramiques raku inspirées et inspirantes

Sophie Reato s’inspire de la nature, une source inépuisable d’idées et de beauté. Ainsi, ses collections reflètent son admiration pour le monde floral et animalier. Elle privilégie des formes stylisées et colorées dans ses œuvres. Par exemple, ses créations en acier, comme des consoles ou des luminaires, arborent des motifs floraux. Ces motifs témoignent clairement de son amour pour la nature.
De plus, l’influence culturelle imprègne son travail. Ses œuvres ethniques, inspirées du Japon, intègrent des éléments tels que le samouraï, les poupées kokeshi et les tortues. Ces dernières sont des symboles de longévité et de chance.
Par ailleurs, sa collection d’oiseaux découle d’un voyage au Brésil. Là, la beauté des toucans l’a profondément émerveillée. Cette expérience a inspiré une série de créations aux couleurs vibrantes. Elles dégagent une énergie et une joie de vivre contagieuse. Loin de n’être que des répliques, ces oeuvres sont des interprétations audacieuses de ce qu’elle a observé.
Enfin, il est essentiel de souligner que Sophie Reato propose aussi des créations sur mesure. Son travail s’adapte à divers espaces et ambiances, tout en conservant sa signature unique et distinctive.

Isabelle Wieder est une artiste peintre de la nature. Elle voit en elle une inépuisable source d’inspiration. Ses peintures témoignent toutes, sans exception, de cette passion qui lui colle à la peau depuis toujours.

La nature comme source d’inspiration

L’eau, les fleurs, la montagne, les oiseaux… Ces thèmes donnent naissance à une floraison de peintures, toutes figuratives et vibrantes de vie. Il faut dire que la région d’adoption de l’artiste peintre, la Haute-Savoie, est riche de paysages d’une beauté folle.
C’est d’ailleurs au cours de ses nombreuses randonnées qu’Isabelle Wieder puise son inspiration. Elle peint ensuite, sans relâche, jusqu’à obtenir l’effet qu’elle recherche. Cette artiste vit la peinture comme une passion. Elle avoue se lever parfois la nuit pour « rectifier une toile, ou en commencer une nouvelle. » Comme un besoin irrépressible.
Son atelier, est son « refuge », son « univers » et représente sa fenêtre sur un autre monde loin des soucis , son monde à elle.

Les animaux, ses compagnons de toujours

L’artiste peintre de la nature trouve en les animaux une autre grande source d’inspiration. Ils la passionnent depuis toujours. Elle aime plus spécifiquement les chiens et les chats, qu’elle n’a de cesse d’observer pour les représenter. La force de son travail réside en sa capacité à saisir les subtilités de leurs regards. Son expérience de plus de vingt-cinq ans en tant que maître artisan toiletteur l’ont certainement rendue encore plus perméable à leur sensibilité.
La patte de l’artiste est remarquée. Son style qui lui vaut de nombreuses commandes de toiles d’animaux, en plus de celles de parterres de fleurs ou de demeures.

Le goût de l’expérimentation

Aujourd’hui, Isabelle Wieder n’est plus un « peintre à ses heures », mais un « peintre à seize heures. » Et elle aime s’adonner à des expérimentations ! Ces dernières la mènent sur le chemin de la pyrogravure sur bois, qu’elle réalise entièrement à la main. Elles la poussent à peindre sur des supports variés. La toile de lin, le papier d’aquarelle 350 g ou le bois. Elle aime aussi créer des couleurs en mélangeant les techniques. C’est ainsi que l’association du pastel sec, de l’acrylique et de la peinture à l’huile engendre des peintures d’une grande force. Ces expérimentations sont une quête de nouveauté. Cela amuse l’artiste, peintre de la nature et la pousse à aller toujours plus loin.

Artiste peintre, Mallory Ramet offre au monde une peinture intimiste vibrante d’émotions, aussi colorée que lumineuse. À l’image de celle qui se cache derrière…

Naissance d’une artiste

Depuis l’enfance, Mallory Ramet trouve dans le dessin un refuge. Armée de son stylo bille, l’adolescente qu’elle est grime des portraits sans jamais gommer un seul trait. Un tour de force dont elle n’a pas encore conscience de la portée ! Il faudra attendre un parcours scolaire et professionnel en dents de scie avant que Mallory Ramet s’autorise à s’affirmer en tant qu’artiste. Ayant acquis un savoir-faire artisanal dans la maroquinerie de luxe, elle ose enfin faire confiance à ses doigts de peintre. Et se livre dans une peinture intimiste. Résultat ? Trois séries de tableaux qui, loin d’être différentes, tirent en réalité un trait d’union entre les états d’âme de Mallory. Plongée immersive au cœur d’un bouleversement de vie !

Se reconnaître dans la peinture intimiste

Mallory Ramet comprend qu’elle subit son existence plutôt qu’elle ne la vit avec sa série de portraits d’animaux. Loup, gorille, lion, tigre, aigle ou encore éléphant : chacune à sa manière, toutes ces bêtes sauvages défient l’artiste de leur regard perçant et l’enjoignent de reprendre sa vie en main. Une injonction qui touche en plein cœur tous ceux qui ont du mal à se regarder dans le miroir !

Autre période de la vie de Mallory Ramet, autre peinture intimiste, autre ambiance : avec sa série de portraits de femmes aux chevelures virevoltantes, l’artiste lutte contre sa peur de l’inconnu. Après avoir quitté un environnement sécurisant, elle décide de se laisser guider par le flot de la vie. Toutes ces femmes couchées sur le papier au stylo bille font inexorablement confiance au vent et aux éléments naturels pour les pousser dans la bonne direction. On craque pour la douceur des couleurs pastels qui émanent de ces toiles en mouvement. Une enveloppe réconfortante pour tous ceux qui se sentent prêts à sauter le pas…

Une affirmation de soi

Désormais en phase avec ses aspirations, Mallory Ramet n’échappe pas aux doutes et aux angoisses qui étreignent les artistes sincères. Ses portraits de femmes yeux fermés portent aux nues toutes ces héroïnes du quotidien qui sont capables d’une grande introspection. Baignées d’un halo de dorure, celles qui ne rappellent les icônes religieuses témoignent qu’après l’obscurité, vient toujours la lumière. Peaufinant son style et ses techniques, Mallory marie désormais une palette chromatique éclatante à des sequins brodés un à un à la main ou encore à des feuilles d’or appliquées minutieusement. Un travail de patience comme un chemin initiatique que l’on s’empresse d’emprunter à ses côtés…

Figure de l’art abstrait, IsaLia livre des peintures vibrantes d’émotions. Une forme d’art destinée à convoquer chez chacun son propre monde imaginaire !

Tout quitter pour changer de vie

Art abstrait

Immergée dans l’univers de l’art depuis l’enfance, IsaLia grandit au milieu de grands-parents étonnants. D’une part,un grand-père paternel artiste peintre et d’autre part, une grand-mère maternelle collectionneuse de toiles. Mais contrairement à d’autres, cette expérience la laisse si insensible qu’elle abandonne son talent précoce pour le dessin pour se consacrer au long chemin professionnel qui l’attend. C’est sa rencontre fortuite avec l’art abstrait, à la Foire de Paris, qui réveille en elle sa créativité enfouie. Bouleversée par cette toile colorée qui bouscule son imaginaire, IsaLia quitte son poste de sténotypiste de conférences. Désormais, elle embrasse une carrière de thérapeute. Cette profession au service des autres lui permet de faire à nouveau une place à l’art dans sa vie. À tel point qu’aujourd’hui, elle s’y consacre désormais totalement !

Une boulimie de travail

Art abstrait

Encre, aquarelle, acrylique, collage, montage : IsaLia est avide d’explorer tous les médiums de la création qui s’offrent à elle. Loin des carcans qui encadrent la peinture figurative, l’artiste voit dans l’art abstrait une liberté sans égale. Sortant chaque jour de sa zone de confort, elle marie une palette chromatique explosive à des techniques audacieuses. Que ce soit au moyen de pinceaux, de couteaux ou même de ses doigts, IsaLia laisse libre court à ses envies artistiques dans une fulgurance de l’instant, une pulsion créatrice.

Les vertus de l’art abstrait

De cette peinture intuitive naît des toiles qui font vibrer le cœur et l’âme de ceux qui s’y confrontent. De la même manière que dans le cadre de son ancienne activité de thérapeute, IsaLia n’a d’autre ambition que celle d’apporter du bien-être aux autres. Car si elle fige dans ses œuvres ses propres ressentis, l’artiste veille à ce que chacun puisse y lire ce qui le touche personnellement. Chacun de ses tableaux a le don de mettre les sens de ses spectateurs en éveil. Une aura presque magnétique qui invite à redécouvrir en permanence toutes les richesses qui y sont dissimulées ! Rendre visible l’invisible, retranscrire l’immatériel dans la matière : c’est peut-être là que tient toute la maestria de l’art abstrait d’IsaLia…

Installée à Viarmes dans le Val d’Oise, IsaLia ira à la rencontre de son public à l’occasion des salons Art3f de Zurich du 19 au 21 janvier et de Paris du 26 au 28 janvier prochain. Courez-y !

L’artiste portraitiste peintre Ricou’ donne vie à des visages peints, des visages incarnés, des visages empreints d’émotions grâce à ses pinceaux et son imagination. Rencontre.
Chaque coup de pinceau raconte une histoire. Caroline Olivier, alias Ricou’, raconte des visages chargés d’histoires. Son imagination rend hommage à des visages incarnés à travers ses visages peints, « car derrière tout visage, au-delà de la lecture première d’une émotion, se cache aussi un état d’âme, une espérance ou un mal-être, une vision d’un monde dans lequel on doit tous se positionner ».

De l’imagination et des émotions à travers le regard de l’artiste portraitiste

Caroline Olivier, c’est l’aventure d’une gamine qui écumera avec ses parents les musées, les expositions… Ces découvertes forgeront son monde imaginaire.
L’artiste portraitiste Ricou’ poursuivra son voyage dans ces mondes imaginaires via la lecture, romans d’inspiration fantastique, BD et livres d’art. « J’écumais les bibliothèques afin de comprendre comment les autres captaient ces instantanés d’émotions dans une fraction de regard et de mouvement ». C’est à cette période que sa passion pour le dessin se dessine. Elle crayonnera alors sur des feuilles volantes, des cahiers, le pupitre de classe…

Des visages peints et des histoires médiévales

Ricou’ suivra des études d’histoire médiévale et rencontra d’illustres personnages qu’elle revisitera sous quelques coups de pinceau comme Marie-Jeanne Vallet « la pucelle du Gévaudan », combattante courageuse de la bête. Au fil de ses tableaux, elle rendra hommage à de nombreuses femmes du passé.
Dorénavant l’univers de l’artiste portraitiste ne s’arrête plus à l’Histoire. « Je sonde d’autres sphères telles que la poésie, la spiritualité, allant même jusqu’aux mondes extraterrestres. Les visages gardent toujours une place prédominante que je peins comme des contrées mystérieuses. Ils appellent à l’urgence d’aller au-delà des apparences, unissant le fantastique et le quotidien, la tradition et la modernité pour conquérir le droit de rêver ».
Découverte par Karla Burnier, Ricou’ est heureuse d’exposer ses visages peints depuis 4 ans à la galerie Imagine-Xax dans la magnifique ville médiévale d’Yvoire en Haute-Savoie. Un retour aux sources…

Avec ses toiles en empreintes vibratoires, Katia Fontbonne Alibrandi accompagne son prochain sur la voie du mieux-être. Des soins holistiques à travers une peinture salvatrice !

Prodiguer des soins holistiques, une vocation

Enfant solitaire, Katia Fontbonne Alibrandi se construit un univers créatif et spirituel pour fuir la violence du monde qui l’entoure. Danse classique, dessin, peinture : la petite fille qu’elle est navigue entre le désir de révéler son potentiel artistique et la volonté de se conformer aux exigences familiales. Laissant la raison l’emporter, elle embrasse une première carrière d’assistante administrative qui ne l’épanouit pas. Il faudra attendre près de quarante ans pour que Katia autorise sa petite fille intérieure à s’exprimer. Grand bien lui en a pris !

Humaniste, empathique, attentive aux autres, Katia Fontbonne Alibrandi se tourne naturellement vers la pratique de soins holistiques. À l’écoute des personnes qui se confient à elle, elle met à leur service son don pour apaiser leurs maux. Cherchant la cause émotionnelle derrière les symptômes, ses mains libèrent les corps des douleurs et tensions. Et apaisent les esprits en conflit ! Dans un écrin cocooning et apaisant, Katia propose des massages bien-être. Tantôt magnétiseuse, tantôt guérisseuse, elle accompagne ceux qui lui font confiance sur la voie du lâcher prise. Un moment unique pour prendre le temps de se connaître et de retrouver les clés de son mieux-être !

Quand la peinture vient au secours des âmes

Aux côtés des massages énergétiques, Katia Fontbonne Alibrandi propose à sa clientèle des peintures sous forme de signatures vibratoires. Peintes de manière instinctive, en médiumnité, ces toiles révèlent à ceux à qui elles s’adressent l’histoire de leur vie. Derrière le choix des couleurs et des textures, ce sont le passé, le présent et l’avenir qu’il faut savoir lire. Chacun des événements de la vie se mêlent et s’entrecroisent dans une composition émotionnelle à l’intensité rare. Un voyage duquel on revient transformé…

Prodiguer des soins holistiques, une vocation

Tour à tour coupeuse de feu, peintre, écrivaine, comédienne ou encore médium, Katia Fontbonne Alibrandi tire un trait d’union entre toutes ses vies au sein des « Les Voiles du Bien-être ». Implanté près de Lyon, son concept tourne autour des soins holistiques et de la rencontre humaine. Une expérience que Katia offre à sa clientèle avec toute la passion et la spontanéité qui sont les siennes…

Artiste portraitiste autodidacte, Isabelle Asni défend une démarche artistique qui fait la part belle à l’Humain. Coup de projecteur sur ses portraits de femmes magnétiques !

Portraitiste : une vie riche d’expériences

Portraitiste

Engagée dans le milieu associatif, salariée d’une structure qui défend l’inclusion par le sport, élue locale, artiste portraitiste, mère de famille : impossible de cantonner Isabelle Asni dans une case tant elle prend plaisir à vivre 1000 vies à la fois. Cette enthousiaste née trouve dans sa boulimie de travail le plaisir des échanges et des expériences partagées. Un rapport à l’autre et au monde qui impacte directement sa peinture ! De son propre aveu, la vie est riche. À chacun de la remplir d’amour !

Devenir une artiste portraitiste

Portraitiste

C’est à dix-huit ans que la peinture surgit dans la vie d’Isabelle. Alors que la jeune femme entame des études en Sciences de l’information et de la communication, elle se découvre une passion pour la spontanéité de l’acrylique et la puissance de la couleur. Deux termes qui collent autant à la personnalité plurielle d’Isabelle qu’à sa peinture ! S’ensuivent l’exercice de différentes professions, la naissance d’un enfant et toujours, cette furieuse envie de peindre. La jeune femme ne peut plus rester plus longtemps insensible à cet appel intrinsèque et presque viscéral. Elle ose faire son coming-out artistique il y a deux ans. Pour notre plus grand plaisir…

Tout l’art du portrait

Portraitiste

Figure omniprésente de sa peinture, la femme est le vecteur d’une mémoire commune. Hybridation de visages familiers, imaginés ou réels, ses portraits féminins célèbrent l’émanation d’un être nouveau. C’est dans cet art qui oscille subtilement entre intime et universel que Isabelle Asni excelle. Grâce à l’utilisation juste et maîtrisée de la couleur, cette artiste portraitiste donne à voir un regard dans lequel chacun puisera sa propre interprétation. Une rencontre qui offre à ses femmes sublimées l’occasion de vivre 1000 vies elles aussi !

Faire la part belle à la couleur

Portraitiste

Car la couleur est bien un personnage à part entière des toiles d’Isabelle Asni. Un élément clé qui célèbre à la fois la vie et les émotions ! La palette chromatique infinie dans laquelle évolue l’artiste est un mode d’expression en soi. À la fois source de lumière, voile de pudeur ou éclat d’intensité, les couleurs s’épousent, se fondent et se répondent dans un dialogue permanent. Cela tient presque de la magie de faire apparaître de ses aplats colorés l’ovale d’un visage, l’ébauche d’un sourire ou encore la lueur d’un regard. À vous d’y lire le destin qu’il vous plaira…

Artiste de l’abstraction figurative, Marc Vandevelde offre au regard des toiles éloquentes qui parlent aux âmes sans avoir besoin de mots. Belle découverte !

La peinture, un morceau de soi

Associer des souvenirs de voyage, mélanger les styles et les époques, harmoniser les couleurs : voilà ce qui anime Marc Vandevelde depuis sa plus tendre enfance. Celui qui rêve de devenir décorateur d’intérieur voit sa vocation contrariée par la pression familiale. Le jeune homme se forme à l’Académie des Beaux-Arts de Uccle et aux ateliers Vogler. Mais il embrasse une carrière plus conventionnelle dans le milieu de la Haute Couture. C’est sa rencontre avec deux essais philosophiques « La couleur éloquente » de Jacqueline Lichtenstein et « L’art et l’artiste » de Otto Rank qui lui révèlent ce qu’il a toujours su au fond de lui. Sa passion pour la peinture est loin de n’être qu’un passe-temps. C’est un moyen d’expression qui mérite d’être offert au monde !

Une liberté créatrice

Marc Vandevelde n’a jamais cessé de peindre. Pourtant, il lui a fallu attendre un âge mûr avant d’accepter d’honorer ses premières commandes. Peut-être avait-il besoin de ce temps pour s’arracher à la perfection du trait qu’exige sa formation académique. Libérés des carcans de la peinture classique, ses pinceaux virevoltent désormais sur des toiles grands formats. Un terrain de jeu qui ne brime pas sa boulimie créatrice ! Après avoir maîtrisé le corps humain et les visages dans toutes leurs expressions, l’artiste s’affranchit des codes de sa discipline. Avec une ambition avouée : explorer des territoires plus contemporains ! Inspiré par le travail d’un Francis Bacon ou d’un Pierre Soulages, Marc Vandevelde mêle encre de chine, pastel et acrylique dans des compositions à l’abstraction figurative. Un voyage sans retour dans son univers onirique !

Donner un sens à l’abstraction figurative

Lectures, réflexions métaphysiques, contemplation : c’est tout cela à la fois qui nourrit les paysages intérieurs de Marc Vandevelde. Ce sont d’ailleurs ces mêmes paysages qui prennent vie sous ses pinceaux. Et c’est dans l’usage de la couleur que l’artiste a trouvé son vecteur de communication de prédilection pour décrire l’indicible. Tourbillon d’émotions, ses œuvres se donnent au regard et touchent en plein cœur leurs spectateurs. Une jolie démonstration d’à quel point les mots peuvent parfois sembler superflus…

Découvrez l’univers d’Anne Hermant, où chaque œuvre est une invitation à explorer l’art au féminin sous toutes ses nuances.

La naissance d’une signature artistique unique

art au féminin

En 2009, Anne Hermant s’inscrivait dans son tout premier cours de peinture. L’artiste était alors loin d’imaginer l’impact que cela aurait sur sa vie…
Ses premiers pas dans l’art ont rapidement évolué vers une démarche autodidacte. Cet éveil à une passion inexplorée l’a menée à créer son atelier. Puis, Anne souhaitait étendre son expression artistique dans le domaine de la sculpture. Ainsi, loin de toute contrainte académique, Anne Hermant a su développer un langage artistique propre et reconnaissable entre mille.

Émotions au féminin

Anne Hermant se livre à une quête introspective aspirant à traduire la richesse des expériences féminines. Une démarche où chaque geste est une invitation à explorer la palette infinie des émotions, des énergies et des nuances que revêt l’art au féminin.
Ce voyage au cœur de soi a donné vie à une série d’œuvres où la sensualité est évoquée en douceur. Celles-ci laissent une place de choix à la subjectivité du regard de celui qui contemple.
De plus, l’artiste parvient à créer des réceptacles émotionnels, capables d’accueillir les sentiments de chacun. Chaque œuvre raconte une histoire, mais c’est au spectateur de la réinventer, guidé par son état d’âme du moment.

Précision, équilibre et art au féminin

Dans son atelier, Anne Hermant esquisse ses poses féminines dans son fidèle carnet de croquis. Ces ébauches deviennent ensuite le berceau de ses œuvres, marquant le début d’un processus précis et intuitif. Une fois la base esquissée, chaque coup de pinceau est une pulsation qui infuse l’œuvre d’une vitalité nouvelle.
Pour Anne, le secret d’une couleur éclatante réside dans l’usage d’une toile immaculée. En effet, cette démarche sublime les nuances de son bleu fétiche lorsqu’il est l’unique protagoniste de la création.
Mais l’art au féminin d’Anne Hermant ne se cantonne pas à ses toiles. Elle donne également naissance à des sculptures qui semblent avoir capturé le mouvement même de ses tableaux.

Guidée par un rythme respectant la naissance naturelle de chaque œuvre, Anne s’est toujours tenue à l’écart de la précipitation. Elle favorise des échanges sincères avec ceux qui sont touchés par son art. Pour découvrir son art au féminin, rendez-vous du 4 au 6 février 2024 à l’Espace Bastille Design Center à Paris. Vous pouvez également suivre son parcours artistique sur Facebook et Instagram.

FIR est un artiste peintre qui se met à nu. « L’enfant en moi », « Purple Haze », « Tout sur ma mère » … Des titres évocateurs qui laissent entrapercevoir la profondeur de ce que l’artiste FIR met dans ses œuvres.
La peinture est l’expression de ce qu’il est, intrinsèquement. Ses toiles sont toujours issues de scènes fortes qu’il a vécues, de moments qu’il a traversés avec son lot d’émotions. Rien n’est superficiel, tout est profondeur.
FIR voit en son art « un journal intime sous forme de peintures. » Ces dernières sont hautement personnelles puisqu’il les peint au gré de ses tribulations.

Faire « circuler l’énergie » et un message d’espoir

Artiste peintre qui se met à nu

L’artiste peintre qui se met à nu cherche à faire « circuler l’énergie. » Partager pour briser la solitude. Transmettre un peu de son vécu pour apporter une forme d’aide à celui qui contemple sa peinture. Au travers de ses œuvres, un message fort se dévoile : la certitude que du positif peut s’extraire de toute situation. Aussi dure et traumatisante soit-elle.

L’opacité recherchée

Artiste peintre qui se met à nu

Celui qui n’aime pas les jeux de transparence, travaille toujours avec de la peinture très opaque. À l’instar des BD qui use de l’opacité, dont l’univers a peuplé son enfance. Elles lui offraient un monde parallèle dans lequel il pouvait s’évader et échapper à un quotidien difficile.
Pendant longtemps, ses œuvres ont d’ailleurs eu comme source d’inspiration cet univers fait de BD et de Comics. Cette phase de sa vie est derrière lui mais l’usage de l’opacité est resté. Tout comme la présence, fort et lumineuse, de la couleur.

L’usage de couleurs non réalistes

FIR est un artiste peintre qui se met à nu. Il est aussi un anticonformiste. Un trait de caractère qui se retrouve dans le choix de ses couleurs, qui ne sont jamais réalistes. La peau d’un personnage se teinte de bleu. La barbe d’un homme revêt la couleur rose. Un ciel se colore de vert. Des yeux se troublent d’un rouge profond. Autant de couleurs tranchantes, pop, choisies pour exprimer une émotion intense, ressentie au moment de la scène qu’il retranscrit. Autant de moyens détournés de montrer que l’espoir peut naître de chaque changement, situation, pensée ou expérience.
Les peintures de l’artiste peintre FIR évoluent. Tout comme son approche de la vie. C’est la raison pour laquelle l’artiste tend, de plus en plus, à délivrer un message emplit de positivité. À nous de le saisir.

Gero, artiste peintre talentueuse, fait de chaque surface un champ d’expression, offrant un art accessible à tous.

Métamorphoser l’ordinaire en extraordinaire

Du bout de son pinceau, Gero insuffle une part de rêve dans la réalité quotidienne. Aucun défi ne semble trop grand pour cette artiste complète. Ainsi, elle crée des œuvres uniques, que ce soit en peignant les poutres d’un plafond ou le ventre d’une future maman. Avec soin, elle adapte chaque projet aux envies de ses clients, tant dans la restauration que dans la personnalisation d’objets.

Une artiste caméléon

Peinture sur toile, décoration de vitrine, maquillage artistique, la polyvalence de Gero est sans limites. À travers une variété de médiums, elle exprime une créativité qui transforme chaque surface en une œuvre d’art personnalisée. Ainsi, pour les commerçants, elle réalise des habillages éphémères ou permanents de leurs vitrines. Son travail démontre sa capacité exceptionnelle à saisir l’essence d’un lieu et à l’embellir. Gero peut aussi sublimer vos espaces en réalisation des fresques murales personnalisées, tant en intérieur qu’en extérieur.

De plus, l’œuvre de Gero n’est pas simplement esthétique. En effet, elle entre dans un dialogue profond avec ses clients et parvient à cerner leurs personnalités. Elle réussit à matérialiser leurs visions, qu’elles soient déjà formées ou encore embryonnaires.

Le travail assidu de Gero va au-delà de ces créations. Elle décline également ses peintures acryliques en articles accessibles comme des tee-shirts et des tote bags. Ainsi, elle rend son art accessible à tous, permettant à chacun d’emporter chez soi un fragment du rêve !

À propos de Gero

Depuis son enfance, Gero cultive une passion profonde pour le dessin. En grandissant, son chemin artistique s’est poursuivi vers un CAP de dessinatrice publicitaire. Elle rejoint ensuite l’association « Artistes Artense Lanobre », exposant régulièrement au Château de Val.
Enfin, elle démarre en 2016 une nouvelle ère avec GERO ART DECO, valorisant son inépuisable créativité en Auvergne. Privilégiant un service personnalisé, elle rend l’art accessible, en mettant en lumière des créations qui dépassent les attentes !