Entre architecture d’intérieur et création artistique, Meryam Lahlou développe un langage singulier où les matériaux deviennent vecteurs d’émotion et d’esthétique. Meryam Lahlou, un parcours entre art et architecture Liée à l’art dès l’enfance, Meryam Lahlou construit une approche instinctive du design nourrie par la peinture et la photographie. Très tôt, ses créations inspirées de la nature attirent l’attention et s’inscrivent ainsi dans une démarche artistique affirmée. Formée à l’architecture d’intérieur à l’école Camondo à Paris, elle intègre ensuite le cabinet de Jean Nouvel. Cette expérience lui permet donc de collaborer avec des acteurs majeurs comme Vogue ou Dolce & Gabbana, renforçant sa vision transversale du design. Une signature artistique centrée sur les matériaux Le travail de Meryam Lahlou repose sur une exploration poussée des matériaux. Bois, métal, béton, pierre ou marbre sont travaillés jusqu’à leurs limites pour révéler textures, contrastes et reliefs. Sa démarche s’inscrit dans une recherche quasi expérimentale,…
Artiste peintre, Françoise Renou-Le Stradic nous émeut à travers ses aquarelles figuratives qui associent délicatesse des lignes et transparence des couleurs. Tout un univers de douceur… L’aquarelle comme moyen d’expression « Une aquarelle n’est pas une histoire, c’est la traduction d’une sensation, d’un souvenir, d’un état d’âme ». Derrière les mots de l’auteur de bande dessinée, Hugo Pratt, on retrouve l’essence même du travail de Françoise Renou-Le Stradic. Célébrant la peinture comme moyen d’expression, cette aquarelliste n’a de cesse de retranscrire sur le papier ce qu’elle ne parvient pas à exprimer avec des mots. À l’aise à l’écrit, celle qui s’est consacrée au journalisme a trouvé dans cet art le langage de ses émotions. Peut-être parce qu’on ne « lit » pas une image : on la ressent… L’art du portrait Artiste peintre, Françoise Renou-Le Stradic puise son inspiration partout où son regard se pose. La photo d’un paysage, l’expression…
Jacqueline N’Kouet est une artiste photographe contemporaine qui avance dans la vie en développant sa créativité. Toujours architecturale, délicate et authentique. Une artiste photographe contemporaine, à la croisée des disciplines Jacqueline N’Kouet est une artiste qui ne cesse de développer sa créativité. Son insatiable curiosité, son goût immodéré pour le beau et son attrait pour les diversités culturelles nourrissent son parcours. L’art devient ainsi pour elle une seconde peau, guidée par un profond besoin d’authenticité.Elle débute ses premiers pas dans le monde artistique en foulant les podiums des défilés haute couture. Mannequin, elle aime ce contact avec les créatifs. C’est à leur côté qu’elle exerce son œil à l’harmonie, aux détails, à la justesse.Puis, le besoin de créer elle-même s’impose. C’est alors qu’elle commence à photographier ce qu’elle observe, en sillonnant les rues de Paris. Ses prises de vue combinent ce qui la définit. Elle puise sa créativité dans ses…
Il est des êtres nés pour révéler aux hommes ce qui les dépasse, où que cela se cache. Et Philip Richard est résolument l’un d’entre eux. Coup de projecteur sur ses époustouflantes photographies de nature et de paysage. Révéler la beauté de la nature et l’émotion qu’elle procure Qui ne s’est jamais émerveillé devant le calme des eaux d’un lac au lever du soleil ? Qui ne s’est jamais senti apaisé bercé par le murmure d’une forêt verdoyante ? Ou ne s’est jamais senti minuscule devant la majesté des montagnes tombant à pic dans l’océan ? Inspiration inépuisable, la Nature offre au regard une beauté saisissante qui ne cesse de se renouveler au fil des saisons. Face à la puissance de ses paysages, on ressent souvent un sentiment profond de sérénité. Et c’est précisément cette émotion universelle née du face-à-face avec une Nature qui nous transcende que cherche à procurer…
Dans l’univers coloré de Ludovic Marcenaro, artiste peintre contemporain, les Martiens côtoient les humains et les canards les drones. Derrière cette légèreté apparente, une inquiétude affleure parfois. Elle prend la forme d’une dystopie douce, entre surconsommation, raréfaction de l’eau et toute-puissance des marques. Ses personnages, eux, continuent de sourire. Ils oscillent entre pesanteur et légèreté. Vous avez un parcours très riche, du dessin académique au design industriel puis à la communication. Comment cela s’est-il construit ? J’ai commencé très jeune, avec huit ans de dessin au conservatoire de Rueil-Malmaison, auprès de l’architecte Nicolas Michelin. Cela m’a donné envie de peindre. Ensuite, j’ai travaillé en design produit, au Brésil puis en France. Puis je me suis orienté vers la communication. J’ai exercé au sein d’une agence chez KPMG à La Défense, puis en graphisme, événementiel et signalétique pour des hôtels de luxe. Tout cela a nourri ma manière de regarder, de…
Artiste peintre figuratif, habité par le démon de la curiosité, Michel Verclytte explore depuis plus de quarante ans la peinture à l’huile, l’aquarelle et la sculpture. Marines, paysages, portraits, nus, il se confronte à de nombreux thèmes avec un objectif, presque un graal, la simplification. Il expose régulièrement en Hauts-de-France, en Maine-et-Loire ainsi qu’en Belgique et participe à divers Salons d’Art internationaux. Vous êtes un artiste peintre figuratif autodidacte. Comment s’est construit votre regard d’artiste ? Je me suis formé seul, dans les livres et en parcourant les musées à Florence, Saint-Pétersbourg, Moscou, Dublin ou Londres… J’ai eu besoin d’observer les œuvres de très près et de voir les couches de peinture. J’ai aussi appris auprès des maîtres. Le Caravage pour ses contrastes, Vermeer, les maîtres hollandais, les impressionnistes, Rodin, Claudel, Giacometti. Je suis né à Malo-les-Bains, à trois cents mètres de la mer. Ainsi, la lumière, les rivages, le…
La Galerie Ausello est une galerie à Menton née d’une liberté assumée. Un art qui ne cherche pas à entrer dans les cases mais à les dépasser. D’une révélation tardive à une aventure collective La Galerie Ausello écrit son histoire hors des codes habituels du monde de l’art. En effet, elle s’invente loin des écoles, des stratégies et des cercles fermés. Elle prend racine dans la révélation tardive mais fulgurante d’un artiste resté longtemps dans l’ombre. Christophe Ausello est plombier de métier. Depuis toujours pourtant, une vibration artistique l’habite. Jusqu’à ce moment charnière, en 2018, où tout bascule. Ainsi, son fils Valentin, convaincu du talent de son père, l’inscrit en secret à l’Open des Artistes de Monaco. Christophe y remporte le premier prix, face à 87 participants. Dès lors, son parcours attire des regards inattendus. Le prix Nobel de littérature J. M. G. Le Clézio rédige même sa biographie, un…
Jacques Dieudonne crée des bijoux-sculptures et des portails de cathédrales. Il avance comme un sculpteur de métal, et il explore la matière sous toutes ses formes. Comment êtes-vous devenu sculpteur de métal ? L’art vient de mon intériorité. Tout d’abord, quand j’ai quitté l’école, j’ai commencé le dessin. Très vite, j’ai voulu aller plus loin. Puis, je me suis formé à l’ancienne école d’art de Maredsous en Belgique. J’ai poursuivi à l’École des Arts-Décoratifs de Strasbourg. Devenu Compagnon bijoutier-joaillier, j’ai obtenu le Diplôme National des Beaux-Arts, option sculpture. Je crois que j’ai toujours été un peu « hors norme » ! Par quel type d’objet avez-vous commencé votre carrière de sculpteur ? D’abord, j’ai commencé par le bijou. Sa technique et sa créativité m’ont attiré. Son aspect tridimensionnel aussi. Pour moi, le bijou enlace le corps, le bras, le cou ou le doigt. Les pierres et perles restent des éléments…
Depuis plus de 20 ans, l’école des Arts et Techniques Céramiques accompagne celles et ceux qui souhaitent devenir céramiste. Située dans le XIIᵉ arrondissement de Paris, elle forme les élèves au CAP Tournage grâce à un enseignement complet et exigeant. Comment abordez-vous la formation de vos élèves ? Nous évaluons la solidité du projet et la motivation de chaque élève. Notre objectif reste clair : les aider à ouvrir leur atelier, développer leur production ou collaborer avec des designers. Nous les formons aussi à l’animation de cours de loisirs en céramique. Un atout essentiel pour devenir céramiste dans de bonnes conditions. Sur quelle méthode repose votre enseignement ? Nous avons développé la méthode ATC, issue de 35 ans d’expérience et de recherches pédagogiques. Elle s’appuie sur une approche ergonomique pour prévenir les troubles musculosquelettiques. De plus, notre ambition dépasse le CAP Tournage. Nous ouvrons nos élèves à tous les aspects du métier…
De Tokushima à Paris, l’Atelier Seiran perpétue et réinvente depuis plus de cinquante ans l’art rare de l’indigo japonais. La renaissance d’un bleu éternel Tout commence avec l’intuition d’une femme, Yôko Hashimoto. En 1970, dans le jardin de sa maison à Tokushima, elle fonde l’Atelier Seiran. Son objectif est clair : sauver un savoir-faire en péril. Après la Seconde Guerre mondiale, les teintures chimiques menaçaient de faire disparaître l’aizome, la teinture à l’indigo japonais. Pour préserver cet art ancestral, Yôko crée un lieu où tradition et création se rencontrent. L’année suivante, elle devient la première artisane de Tokushima à posséder sa propre cuve à indigo. De plus, Yôko Hashimoto ne se contente pas de protéger le passé. En effet, elle innove en mariant la technique de la cire et l’indigo japonais. Cette combinaison inédite exige rigueur et sensibilité. Ainsi, elle donne naissance à un univers unique, empreint de poésie et…
Rencontrer Yoshiyaki Takei, c’est croiser un homme discret, presque effacé, dont le regard semble déjà tourné vers un autre monde. Rêveur lunaire ou sage en quête de lumière, il incarne cette figure de l’artiste japonais vivant à demi dans l’immatériel. Habité par un ailleurs, il le traduit en peinture avec une sensibilité singulière. Dans l’univers de l’art contemporain japonais, sa démarche se distingue par une profondeur spirituelle singulière. Un parcours entre silence et lumière Né au Japon, Takei commence très jeune à créer. À vingt ans, il rejoint une école d’art à Tokyo, où il expose ses premières toiles. Puis, il y a trente-cinq ans, il choisit de revenir dans son village natal, à trois heures de la capitale. Loin du tumulte urbain, il trouve dans le silence et la solitude un terrain propice à la création. « Je pensais pouvoir créer sans distractions et me concentrer sur moi-même »,…
À Mulhouse, Giom Von Birgitta travaille la céramique artisanale avec l’exigence tranquille de ceux qui savent pourquoi ils créent. Un nom singulier Giom Von Birgitta est un nom de scène soigneusement choisi. Un clin d’œil assumé à l’univers lyrique et décalé de Maria Ulrika Von Glott. Une manière d’annoncer la couleur. ici, on ne se prend pas trop au sérieux mais on prend la création au sérieux.Derrière ce nom, Giom (prononcez Guillaume) cultive un rapport sensible à la matière. Il revendique un attachement fort au travail bien fait et reste attentif à ce que ses pièces disent, ou taisent. Une trajectoire guidée par la terre Issu de la culture et du tourisme, Giom a longtemps évolué dans l’ombre des artistes. Puis il fait un pas de côté. Un stage chez une céramiste, une fascination immédiate pour la complexité du médium. Et la voie s’impose. Il se forme d’abord en Dordogne,…
Pour Barbara Christol, artiste plasticienne à la pratique polymorphe, l’équilibre est une quête essentielle. Peinture, dessin, tissage, performance et photographie composent un langage plastique où l’intime côtoie la rigueur. Formée aux Beaux-Arts puis à la Sorbonne, elle tisse, au sens propre comme au figuré. Une œuvre habitée par la recherche d’harmonie, la résonance entre les formes, les espaces et le temps. Quelles ont été vos premières influences artistiques ? Je crois que mon premier grand amour est Henri Matisse. Dans les années 80, une exposition lui avait été consacrée au Musée des Beaux-Arts de Nîmes. Celle-ci était axée sur son travail de dessin. J’étais enfant mais cette visite a été un choc. Puis, je me suis aussi tournée vers Kandinsky et Paul Klee. Ces derniers ont profondément marqué ma perception de la géométrie et de l’abstraction. Qu’est-ce qui vous attire dans cette géométrie ? Sa fausse simplicité. Ce travail immense…
L’artiste peintre Natalya Gulevata peint la vie telle qu’elle la souhaite. Elle l’imagine emplie de bonheur et de lumière. Si vous cherchez une artiste peintre à découvrir, son univers mérite le détour. Lumineuses peintures « La vie est un cycle perpétuel. Ce que l’on donne à un moment donné, nous le recevons à un autre. » Ainsi, pour l’artiste peintre Natalya Gulevata, tout est lié. Cette vision poétique traverse ses œuvres, comme un fil invisible mais présent. Elle donne à voir ce lien dans chacune de ses toiles. Au-delà de ce que l’on voit Peintre dans l’âme depuis l’enfance à Odessa, Natalya apprend le dessin à l’École des Arts. Puis, elle poursuit des études de commerce en France. Un choix motivé par l’envie de rassurer ses parents. Par la suite, devenue femme d’affaires et mère, Natalya met sa créativité en veille. Mais à la naissance de son troisième enfant, tout…
Le design lumineux 3D s’impose comme un nouveau langage esthétique et responsable. Avec ses créations sculpturales imprimées en 3D, Lucas Zito transforme la lumière en matière, en volume et en présence, redessinant ainsi la manière d’habiter un espace. Le design lumineux 3D comme signature créative Le design lumineux 3D occupe une place centrale dans le travail de Lucas Zito. Après ses études à la Design Academy d’Eindhoven, il revient à Paris en 2019 pour lancer sa carrière. Très vite, il développe une approche singulière mêlant fonctionnalité, esthétisme et écoresponsabilité. L’impression 3D devient alors un outil essentiel, non seulement pour produire différemment, mais aussi pour donner naissance à des formes inédites qui transforment la perception de la lumière. En 2021, il crée sa première collection lumineuse, Buoy, avant de lancer en 2024 GOOD SELECTION, une nouvelle démarche dédiée à la curation d’objets engagés. Son univers se structure autour de séries indépendantes…
Le Festival des Architectures Vives 2025 (FAV) a transformé Montpellier en un véritable terrain d’exploration artistique et sensorielle. Du 10 au 15 juin, plus de 16 000 visiteurs ont découvert 13 installations éphémères au cœur des hôtels particuliers de la ville. La gourmandise au cœur de la création Cette édition, placée sous le signe de la Gourmandise, a dévoilé une approche inédite de l’architecture. Ici, les formes, les matières et les volumes se savourent comme des mets raffinés. Chaque œuvre invite à éveiller les sens, à “goûter” la ville autrement.La cheffe pâtissière montpelliéraine Clara Jung en était la marraine. Un symbole parfait du lien entre création culinaire et créativité architecturale. Un engagement fort pour l’environnement Le Festival des Architectures Vives poursuit son engagement en faveur du développement durable. Grâce à son partenariat avec Mas Réemploi, il promeut ainsi l’utilisation de matériaux recyclés et encourage le réemploi dans la conception des…
Du 17 au 19 octobre prochain, se tiendra la nouvelle édition du salon d’art contemporain international ART Shopping. À cette occasion, Maison et Jardin Magazine a rencontré son Président, Sylvain Arquié ! Pouvez-vous nous présenter le salon d’art contemporain ART Shopping ? Depuis près de vingt ans, ART Shopping célèbre la création artistique contemporaine sous toutes ses formes. Réputé pour sa programmation éclectique qui mêle peinture, sculpture, photographie, street art ou encore arts numériques, notre salon est devenu le rendez-vous incontournable des artistes autant que des passionnés d’art. Chaque année, ART Shopping se décline en deux éditions, l’une l’autre en avril et en octobre. À ces occasions, il réunit des artistes, des galeries et des collectionneurs venus du monde entier. Avec un parti-pris engagé : défendre un art décomplexé et accessible à tous ! Quand pousser la porte d’une galerie confidentielle peut intimider, ART Shopping s’ouvre à tous, sur invitation.…
Ferronnière d’art, Caroline Delareux perpétue un savoir-faire familial transmis depuis cinq générations au sein de l’atelier K-Del (fondé en 1882). Elle y fait dialoguer mémoire artisanale et expression contemporaine, du dessin à la pose, pour des pièces uniques et des réalisations sur mesure. Un atelier, une histoire À la tête de K-Del depuis 2013, Caroline poursuit la lignée de maréchaux-ferrants et ferronniers de sa famille, ancrée en Sarthe. L’atelier conjugue techniques traditionnelles et approche design, dans une démarche résolument durable. Collections Emö : luminaires et mobilier Avec la collection Emö, Caroline signe des luminaires (lampes, appliques, suspensions) et du mobilier (consoles, tables, tabourets) entièrement fabriqués localement. Chaque pièce mêle acier, laiton ou cuivre et révèle un travail de matière au service de la lumière. Savoir-faire & projets sur mesure K-Del conçoit et réalise portails, rampes d’escaliers, marquises, pergolas, serres de jardin, mobilier intérieur et luminaires. Elle accompagne chaque client depuis…
L’exposition Andrea Branzi, le règne des vivants, est coorganisée par le Centre Pompidou et le musée des impressionnismes Giverny dans le cadre du programme Constellation du Centre Pompidou. Un hommage avant tout Pour la première fois, le musée des impressionnismes Giverny s’associe avec le Centre Pompidou et présente « Andrea Branzi, le règne des vivants ». Cette exposition rend hommage au brillant designer italien, disparu en 2023. Elle rassemble une sélection d’œuvres emblématiques issues des collections publiques françaises. En outre, le Centre Pompidou, le Centre national des Arts plastiques, le musée des Arts décoratifs de Paris et le musée des Arts décoratifs et du Design de Bordeaux. Mais aussi, prêteurs privés familiers des amateurs de design (Galleria Luisa delle Piane, Friedman Benda Gallery, Massimo Lunardon). La famille d’Andrea Branzi a également contribué au projet en proposant un ensemble très important de dessins et d’objets. Certains sont inédits, qui permettent d’entrer…
Mansion of Art s’installe à l’Hôtel Barrière Le Royal Deauville : une collaboration exclusive entre art expérientiel et élégance. Une collaboration inédite L’Hôtel Barrière Le Royal Deauville annonce une collaboration inédite avec Mansion of Art, prestigieuse agence californienne spécialisée dans l’art expérientiel. Grâce à Mansion of Art, une collection inédite réunit des artistes de renommée internationale, tels que Karl Lagasse et Quibe. Karl Lagasse, célèbre pour ses sculptures et créateur des trophées du Festival du Cinéma Américain de Deauville. Et Quibe, dont le travail artistique capte avec justesse toute la grâce et la puissance du monde équestre. Leur travail s’accorde parfaitement avec l’ADN de l’Hôtel Barrière Le Royal Deauville, où cinéma et passion du cheval sont au cœur de l’histoire. Une référence internationale Fondée par Sarah Zavala et Ashley Mobley, Mansion of Art s’est imposée comme une agence d’art expérientiel de premier plan. Elle représente des artistes à l’échelle mondiale…
Ce printemps, le musée de l’Hospice Comtesse de Lille accueille une exposition d’art contemporain unique, retraçant l’œuvre du peintre belge Charles Szymkowicz. Véritable peintre des visages, il est une figure majeure parmi les précurseurs de la nouvelle figuration et du néo-expressionnisme. Un peintre de l’âme, sincère et authentique Charles Szymkowicz est un artiste peintre célèbre né à Charleroi le 17 janvier 1948. Il enseigne le dessin à l’Académie des Beaux-Arts de Charleroi mais également la peinture à l’Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles. À travers cette nouvelle exposition d’art contemporain, il nous dévoile des portraits de personnalités qui lui sont chers. Des peintres d’abord, mais également des sculpteurs, compositeurs, poètes, écrivains, ou bien philosophes, ainsi que d’autres héros « anonymes ». Il révèle ainsi leur vrai visage grâce à ses tableaux monumentaux, aux couleurs vives. Ce peintre de l’âme analyse les visages avec sincérité, liant la force du geste à…




















